A lo largo de la historia, las bandas de Rock, aparte de su energia musical, desliegan una cantidad de Arte visual en sus caratulas o portadas de sus Discos, si no, recordemos bandas emblematicas como KISS, VAN HALEN, JUDAS PRIEST, y que decir de las de IRON MAIDEN que eran esperadas tanto como el contenido musical mismo.

Encontre husmeando por ahi, algunas de las portadas mas controversiales, y que en su tiempo fueron censuradas o prohibidas por su contenido grotesco o sexual…tuve que editar algunas de las fotografias por obvias razones, pero si quiere las versiones sin censura, dejeme un comentario con su mail y con gusto se las envio.

He aqui, 21 de las portadas mas controversiales :

1- Alice cooper – Love It to Death (1971) 
Prohibida por la posicion que tenia la mano del miembro de la banda….sin comentarios.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2- The Beatles – Yesterday and Today (1966) 
Censurada por encontrarla demasiado grotesca, la portada fue reemplazada por los miembros de la banda  sobre un baul, con Paul dentro del mismo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

3- The Black Crowes – Amorica (1994) 
Censurada por mostrar “obvias razones” sobre el bikini…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4- Blind Faith – Blind Faith (1969) 
Censurada por mostrar a la hija de Ginger Baker (quien alcanzaria la fama despues como baterista de The Cream) con su torso desnudo, y por creerse que el avion que sostiene en sus manos es un juguete sexual.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

5- Bon Jovi – Slippery When Wet (1986) 
Esta es la caratula original del disco, no pudo ver la luz publica, ya que se consideraba demasiado explicito y de alto contenido sexual para una decada que aun mantenia su pulcritud. La caratula fue cambiada por un rotulo de tipo carretera conteniendo el Nombre del Disco.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

6- Bow Wow Wow – See Jungle! See Jungle! Go Join Your Gang Yeah! City All Over, Go Ape Crazy! (1981) 
Censurado porque la modelo en la foto solo tiene 15 años, aunque estaban representando el cuadro “The Luncheon on the Grass” de Manet..no pudo salir a la venta en esta version de portada.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

7-David Bowie – Diamond Dogs (1974) 
Otra mas de los censuradores en el mundo, la caratula oficial no pudo salir en el disco ya que Bowie, con su mitad de abajo como perro, dejaba ver en el dibujo sus “partes intimas” caninas.

 

 

 

 

 

 

 

 

8- Great White – Hooked (1991) 
Explicito desnudo en la caratula, el original fue reemplazado por la misma mujer sentada en el anzuelo, pero bajo el agua dejando ver solo su cabeza.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

9- Guns N’ Roses – Appetite for Destruction (1987) 
Mostraba en su caratula un dibujo apocaliptico, con una mujer con su ropa interior abajo, lo cual hacia entender que habia sido atacada sexualmente por un robot. La caratula fue sustituida por la famosa portada de una cruz con las calaveras dibujadas de cada uno de los integrantes.

 

 

10- Hurricane – Slave to the Thrill (1990) 
En el tercer album de Hurricane, se muestra una mujer en una maquina con intenciones claramente sexuales, muy al estilo Giger…se reemplazo con solo la maquina, sin la mujer en ella.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

11- The Jimi Hendrix Experience – Electric Ladyland (1968) 
En esta, creo que esta mas que claro el porque de la censura al tener tanta piel en ella.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

12- John Lennon & Yoko Ono – Unfinished Music No. 1: Two Virgins (1968) 
Mas que claro el motivo, cierto?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

13- Lynyrd Skynyrd – Street Survivors (1977) 
Nunca se quiso lanzar esta caratula, (mas que censura, fue desicion de la banda) ya que 3 dias antes del lanzamiento, un accidente cobro la vida de varios integantes de la banda, los cuales muerieron calcinados, incluido el vocalista de la banda.

 

14- Mama Lion – Preserve Wildlife 
En su epoca, los conservadores encontraban de mal gusto la imagen de una madre amamantando, mas aun si era un leon, por eso fue cambiada por la misma mujer, detras de una jaula, sin mostrar su pecho.

 

15- Pantera – Far Beyond Driven (1994) 
La caratula original mostraba el torniquete siendo introducido por la parte posterior de una persona blanca, la cual fue cambiada por el mismo torniquete en la cabeza de una persona de raza negrs, lo que igual genero  polemica, sin embargo, no era tan explicitamente sexual como esta. Ironico no ?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

16- Poison – Open Up and Say…Ahh! (1988) 
En su momento, la caratula parecio grotesca a la censura sobre todo por su lengua, sin embargo, despues de una batalla legal, Poison retiro la caratula modificada, y lanzo esta como la oficial.

 

17- Roger Waters – The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984) 
Desnudez, esa fue la razon por la cual se censuro esta caratula, siendo cubierto la parte polemica  de la modelo de la foto por una franja negra..

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

18- Roxy Music – Country Life (1974) 
3 razones, las mujeres en ropa interior, la mano en sus partes intimas de la primera modelo aduciendo masturbacion, y porque segun los criticos los arboles representaban marihuana, quitaron las mujeres y santo remedio. Nuevamente Ironico no?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

19- Scorpions – Lovedrive (1979) 
El sometimiento femenino fue la causa de esta censura en esta portada, la cual se reemplazo por un escorpion azul.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

20- Scorpions – Virgin Killer (1976) 
En esta caratula se muestra una supuesta menor de edad, con un vidrio roto en sus partes intimas aduciendo que fue violentada sexualmente. Ilustrando graficamente el nombre del Disco. Fue reemplazada por una foto de la banda.

 

21- Mayhem – Dawn of The Black Hearts (1995) 
La mas grotesca de todas, y aunque nunca creo que fue prohibida…pero la foto es del suicidio de “Dead” vocalista de la banda, tomada por Euronymus, el guitarrista de la misma, se convirtio en su portada de una de sus recopilaciones en vivo. Se dice que los miembros de la banda se hicieron colgantes con trozos de su craneo.

 

 

Sin duda, historias interesantes. Dejaria de ser Rock no ?

Recuerden…sean Felices y que viva el Rock & Roll !!!!

 

Alguna vez usted ha tenido una cancion que por sobre muchas otras signifique mucho? o que simplemente escuche una y otra, y otra y otra vez?

Pues en mi caso particular, me sucede con esta : “Vehicle” -The Ides of March- .

Hace unos años, estuve presente en un concierto en el Teatro Presidente, en un especial de Musica de los Setentas, en donde el repertorio incluía música de Earth Wind & Fire, Chicago, Santana, y por supuesto de The Ides of March. Recuerdo que en esa ocasión, el encargado de cantarla fué Tony Delgado, vocalista actualmente de Amaretto, siendo ovacionado por el público por su grandiosa interpretación. Fué ahí cuando me dije : “Algún día estaré en ese escenario”, pero esa es otra historia.

Con esta canción, audicione para ingresar al grupo Acetato, hace unos años, ingresando a la banda inmediatamente e interpretando esta magistral pieza en lugares como Malibu, Puerto Escondido, La Cantina del Patron, Basilea…y donde la tocaramos, era un éxito rotundo. Estaba más que reaizado, cantando una de mis canciones favoritas. Con el paso del tiempo, la mantengo en cualquier lugar, la escucho donde sea, e incluso mi estado de ánimo cambia al ecucharla.

Vehicle fue un éxito mundial a principios de los setentas y llegó a los primeros lugares en las listas americanas e inglesas, The Ides no eran una super banda, llena de talentos y músicos virtuosos, pero tenían en sus filas a un compositor fuera de serie, Jim Peterik que los salvó de ser para siempre, el grupo de pop anodino e intrascendente que se puede escuchar en sus grabaciones de 1965 a 1968.

Para 1970 ya habían adoptado el formato de banda de jazz-rock, tan de moda en esos días y la calidad de su sonido mejoró notablemente, los metales y el abandono del pop para incursionar en el blues, el jazz y el rock, los pusieron al día con lo que se estaba tocando, música del alma, de la creatividad y la imaginación.

Y así concibieron este álbum, que no es el gran disco del género, no era fácil competir con los tres primeros de Chicago o los tres primeros de Blood Sweat and Tears, por hablar de grupos muy conocidos, pero gracias a “Vehicle” y al cover que hicieron de Eleanor Rigby, rebautizado como; “Symphony for Eleanor”, el disco se convirtió en un clásico, buscado por los coleccionistas.

La canción en cuestión se convirtió en hit instantáneo, porque tiene todos los ingredientes de una buena canción: un riff que se pega, un arreglo de mediana complejidad, una melodía seductora y la voz blusera de Peterik, ritmo intenso y enérgico, cambios en el mismo y las intervenciones de los metales en su justo espacio y en su justo momento, la letra habla del amor en su acepción contemporánea, siempre ligado a las posesiones materiales, a la belleza y al glamur.

La canción fue escrita por Jim Peterik, quien fuese el Guitarrista y cantante de la banda. Él explica cómo la canción fue creada :

“El 9 de abril 1968, mientras yo estaba esperando para ver a uno de mis grupos favoritos, The Turtles, en el Riverside School Brookfield de alta en el suburbio de Chicago, mis ojos se posaron en la niña que estaba de pie en frente de mí – que era practicamente una visión con calcetines hasta la rodilla y falda-pantalón de color naranja – pelo largo y sedoso y enormes ojos azules, Cuando yo estaba tratando de tomar el valor de decir hola, se volvió hacia mí y dijo: ‘¿No eres tu Peterik? Resulta que ella había visto a The Ides of March, un mes antes, cuando abrimos un concierto en Morton West High School. Le dije, ‘Sí’, y desde allí la conversación parecía fluir. Nunca había conocido a una chica a la que tenía mucho en común. Karen y yo nos sentamos juntos en el show, y por “Happy Together” se había puesto la pierna encima de la mía (una señal muy positiva para una primera cita). Después de 6 meses de grandes citas,  buenos tiempos, los prados,los paseos y todo lo que hacen los enamorados, Karen me dijo  que todo había terminado entre nosotros, que quería “ver a otras personas.” Yo estaba completamente destrozado. Pasé los próximos meses escribiendo canciones tristes, depresivas, melodías introspectivas, y obligando a los de la banda a hacer jam Blues largos en nuestras presentaciones También me embarqué en la misión para encontrar otra Karen. Lo Cual, era imposible.

Un día recibí una llamada de Karen. Mi corazón dio un salto en mi garganta. Ella me preguntó si podía llevarla a la escuela de modelos (ella sabía que yo tenía un blanco e inmaculado Valiant ’64 con la rueda mag cubiertas). En lugar de jugar a sentirme frio, de repente me encontré diciendo: ‘Voy para allá. “ Pensé que nuestra cercanía le recordaba lo mucho que me amaba de verdad. Fue un gran cosa manejar al lado de ella otra vez, aunque yo tenía que asegurarme de controlar mis manos y mi corazón. Este patrón continuó durante unas semanas con Karen pidiendome que la llevara a sus citas y funciones diversas. A pesar de que me sentía genial con ella, sabia que nada volvería a ser como antes.
Un día, en un arranque de ira, me escuché a mí mismo dejar escapar : ‘Sabes, todo lo que soy para ti es un vehículo (El bebé de la palabra se añadió más tarde). En ese momento, el foco apareció en la parte superior de mi cabeza y pensé en todos los tipos como yo que no les importa que les  tomen el pelo por una chica hermosa. Me dijo: ‘Hasta luego’ y comenzé a escribir la canción. ”

“Siempre me gustaron los titulos de una sola palabra, son mas fuertes y expresivos. La letra de la canción sufrió algunos cambios para adaptarla para todos los públicos, pues habían cosas muy personales que no entendería la mayoria. Es una canción de amor, en la que no importa lo que ella haga conmigo, Dios sabe que la amo, y que haría cualquier cosa por ella”

Les comparto el Video y la letra de la Canción :

 

 

 

Hey well, I’m a friendly stranger in a black Sedan

Won’t you hop inside my car?
I got pictures, got candy, I’m a lovable man
And I can take you to the nearest star

I’m your vehicle, baby
I’ll take you anywhere you wanna go
I’m your vehicle, woman
But I’m not sure that you know
That I love ya (love ya)
I need ya (need ya)
I want ya, got to have you, child
Great God in heaven, you know I love you

Well, if you wants to be a movie star,
I’ll get a ticket to Hollywood
But if you want to stay just the way you are,
You know I think you really should

I’m your vehicle, baby
I’ll take you anywhere you wanna go
I’m your vehicle, woman
But I’m not sure you know
That I love ya (love ya)
I need ya (need ya)
I want ya, got to have you, child
Great God in heaven, you know I love you
Oh, you know I do

Hey well, I’m a friendly stranger in a black Sedan
Won’t you hop inside my car?
I got pictures, candy, I’m a lovable man
And I can take you to the nearest star

I’m your vehicle, baby
I’ll take you anywhere you wanna go
I’m your vehicle, woman
But I’m not sure that you know
That I love ya (love ya)
I need ya (need ya)
I want ya, got to have ya
Great God in heaven, you know I love you
And I’m your vehicle, babe

You know I love ya (love ya)
I need ya (need ya)
I want ya, I got to have you, child
Great God in heaven, you know I love you

Y asi, es como les comparto, la historia de una gran cancion en el Mundo de la Musica, y una de mis favoritas.
Recuerden…sean felices y que viva el Rock & Roll !!!

Seguramente Ud. recuerda a la Emblematica Banda de Glam Metal : POISON, esa misma que a mediados de loa Ochentas, nos deslumbra con sus cabelleras llenas de laca, sus guitarras moradas y rosadas, sus extravagantes escenarios con rayos lasser, su vestimenta al mejor estilo Rockstar y su desbordante energia….por algo se catalogaban dentro del Glam Metal No?

Pero como casi la mayoria de bandas y artistas, el cliché del “Sexo, Drogas y Rock & Roll” se haría presente en Poison, lo cual lleva a la anécdota que quiero compartir en esta ocasión.

Recuerdo estar viendo MTV, en el año de 1991. En aquel tiempo el guitarrista de la banda C.C. DeVille sufría de una fuerte adicción a la cocaína, lo que le produjo muchos problemas y ocasionó a la larga su salida del grupo, debido a lo sucedido precisamente durante los MTV Video Music Awards del 1991.

MTV les había pedido que interpretaran “Unskinny Bop”, el ultimo sencillo de su mas reciente producción, . Pero C.C. DeVille, con el cabello teñido de rojo “rosadoso”  y bajo los efectos de la droga, se rehusó a tocarla.

En los ensayos para la entrega de los premios interpretaba mal la canción.

Cuando llegó el momento de tocar en la entrega, todo mundo viéndoles alrededor del país y del mundo (incluyendome a mi, porque recuerdo muy bien ese momento), la banda tenía un tiempo determinado de 5 minutos para tocar y C.C. empezó a tocar otra canción, una rara que nadie, ni aun los mismos integrantes de Poison supieron entender.

En ese momento terminan decidiendo que tocarían “Talk Dirty to me” haciendolo y obligando a la banda a cambiar de idea. Durante la presentación él no tocó nada bien la canción, desde el mismo inicio sus manos no hacian los acordes correctos, improvisaba solos que no encajaban en la armonía de la canción, pero el clímax de todo, fué cuando pisó su mismo cable de la guitarra, y ésta se desconecta mientras su presentación en vivo seguía. La expresión en el rostro de Bret Michaels (Vocalista de Poison) es indescriptible, y tratando de disimular, intenta seguir como si nada pasara. El mismo Michaels cuenta, que durante el solo de guitarra, temia que algo peor sucediera, y empieza a jugar con  Bobby Dall (Bajista) y a tratar de acaparar la atencion del publico.

Las cosas empeoraron mucho más cuando C.C. DeVille y Bret Michaels se pelearon a golpes entre bambalinas. Fue muy controvertido y esa misma noche C.C. DeVille fue despedido de Poison.

Como esta, deben existir miles de historias, pero lo peculiar de esta, es que la vi…en vivo ! No cabe duda, que los excesos nos llevan por caminos que no caminariamos normalmente, y que en la mayoria de los casos, no nos llevan a un desenlace positivo.

Les dejo el Video para que juzguen por ustedes mismos :

 

 

 

Recuerden….sean felices y que viva el Rock & Roll !!!

Un 10 de Enero de 1956, se graba en los Estudios de RCA “Heartbreak Hotel”, y el mundo no volvería a ser el mismo…

“Heartbreak Hotel” es una canción de rock and roll interpretada por Elvis Presley con Bill Black (bajo), Scotty Moore (guitarra), DJ Fontana (batería), Floyd Cramer (piano) y Elvis en la guitarra rítmica, como los principales músicos de apoyo. Fue Grabada en enero de 1956 en Nashville. Fue lanzada como un sencillo con la canción “I Was the One” como lado-B el 27 de enero de 1956. “Heartbreak Hotel” se convirtió en el primer disco pop No.1 de Elvis y fue el sencillo más vendido de 1956.

Esta fue la segunda canción grabada por Elvis en la RCA Victor, durante su sesión de debut en el edificio 1525 de McGavock en Nashville,  el 10 de enero de 1956.

Elvis había seleccionado la canción para grabarla. Ya antes le había prometido al co-escritor Mae Boren Axton que la quería para grabarla. Llegó al estudio con la canción lista para grabar sin el aporte de RCA. Aunque el productor Steve Sholes estaba preocupado, grabó la canción con la fe de que Elvis sabía lo que estaba haciendo. La mayoría de los demás en RCA Víctor creían que fue un error, sobre todo después de escuchar que al terminar la grabación sonaba como las anteriores de Elvis en Sun Records.

El 11 de febrero de 1956, Presley presentó la canción en vivo en el programa de televisión de la CBS, Stage Show, protagonizado por Tommy y Jimmy Dorsey, el 11 y 24 de marzo, y en su tercera (y última) aparición en The Ed Sullivan Show, también de la CBS, el 6 de enero de 1957. Acumulado para los espectadores de estos espectáculos de televisión en promedio más de 65 millones de dólares.

La canción es un ejemplo de la forma de verso sencillo basado en el blues de ocho líneas de progreso. Fue escrita por Thomas Durden, entonces guitarrista en Smiling Jack Herring and his Swing Billies, y Mae Boren Axton, una profesora del Dupont Jr.-Sr. High School, en Jacksonville, Florida, y la madre del cantante, compositor y actor Hoyt Axton. Ella era una publicista para Hank Snow, quien era dirigido por el Coronel Tom Parker, quien también dirigió a Elvis Presley.

Elvis Presley recibió crédito de co-compositor por su contribución a el lanzamiento final.En una entrevista, Durden admitió que no conocía la canción después de Elvis que le había hecho los cambios en el estudio, incluyendo cambios en el ritmo, fraseo, las letra y sonido en general. Cosa, que Elvis sol{ia hacer con la mayoria de las canciones que interpretaba.

“Heartbreak Hotel” fue No. 1 por 8 semanas en el Billboard Pop Singles Chart cuando se lanzo en 1956 en RCA Records, alcanzando el lugar 1 de las cuatro listas de sencillos del Billboard Pop.

El lanzamiento fue no. 1 durante 17 semanas en la lista de Billboard y llegó a no. 3 en el Rhythm & Blues Billboard Chart. En el Reino Unido, el sencillo no llegó a ninguna posición en las listas de sencillos de pop.

En 2006, más de 50 años después de su lanzamiento inicial, “Heartbreak Hotel” volvió a ser no. 1 en el Billboard Hot Singles Sales Chart cuando se volvió a publicar. El lado B, “I Was the One”, no llegó a ninguna.

En 1982, “I Was the One” fue re-lanzado y llegó a no. 92 de la lista de Billboard.

“Heartbreak Hotel” más tarde fue puesta en el #45 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos y fue incluida en el Salón de la Fama del Grammy.

 

 

 
El Video y Audio Original de como fue grabada :

Luego de dedicarse por dos años completos al Cine y alejarse de las presentaciones en vivo, a su regreso de su Servicio Militar en Alemania, decide grabar un Especial para la CBS, en 1968, en el cual se sientan los precedentes historicos de lo que hoy conocemos popularmente como los “unplugged” o Desconectados :

Sin duda…una cancion historica….

Lo de siempre, a ser felices y que viva el Rock & Roll !!!!

Sé lo que está pensando…seguramente usted dijo : “SI”, y con justa razón, ver las cantidades industriales de Dinero que ganó U2 con su 360° World Tour, ó las ventas millonarias que lograran Michael Jackson y Elvis Presley aún despúes de su muerte, ó que decir de Artistas como Sting, Queen o Pink Floyd? es verdaderamente rentable no?

No nos vayamos muy lejos… que tal Maná? Carlos Santana? Soda Stereo?  eso ya es más “tropicalizado” y la respuesta sigue siendo : “SI”.

Déjeme plantearle de nuevo la pregunta : Se puede vivir de la Música…en EL SALVADOR ?

Yo…honestamente…lo dudo.

Claro, se sobrevive, se pagan deudas, facturas, agua, luz, teléfono, etc, etc.  Porque sí, los artistas son personas comunes y corrientes que pagan por todo lo que consumen como cualquier mortal. Pagan Impuestos, deben en sus tarjetas de crédito, hacen préstamos, algunos incluso siguen ahorrando para comprar un carrito y dejar de usar taxi al terminar cada presentación en horas de la madrugada.

Ser músico en este país, más que otra cosa, requiere scrificio, entrega y verdadero amor por lo que se hace. Por supuesto, no hablo de los hijos de Papi y Mami que tienen su caprichito de ser cantantes y les ponen todo en bandeja de plata. Hablo de los que se rompen los dedos tocando una guitarra, de los que desgarran su voz frente a un micrófono, de los que tienen que aguantar inclemencias del tiempo, de los que sacrifican tiempo con sus familias, de los que deben soportar insolencias de algunos, insultos de otros, prepotencia de muchos, de los que deben “rebajar” el costo de su presentación artística con tal de no perder de ganar algo, esos mismos que manejan grandes distancias de madrugada, que viajan en carretera expuestos a peligros que nuestro adorado País tiene hasta para regalar… a esos… MIS RESPETOS !

Se puede hacer algo?

Claro… se dice que el alimento del Artista es el Aplauso. Cierto. Pero eso es para el artista. Que hay de su esposa? de sus hijos? de su familia? Dificilmente podrén cenar esta Navidad un “Aplauso en Salsa de Pavo”.

Yo estoy firmemente convencido que si se puede hacer algo. Empezando por los dueños de bares y restaurantes, que deberían pensar que quien se presenta en su local tiene las mismas necesidades que él de llevar sustento a su casa, de ganar unos cuantos dólares para vivir   sobrevivir. Brindando al menos un vaso con agua gratis, una silla en que sentarse…(sí, puede sonar trágico, pero lastimosamente es la realidad).

El público puede hacer su parte… como ? Pagando cover, asistiendo, aplaudiendo, disfrutando, VALORIZANDO lo que el fulano o fulana que tiene enfrente está haciendo para SU diversión.

Es a veces indignante que alguien se valga de que la música Nacional no sirve, y que por eso no va a pagar lo que se pide por entrar a ver un espectáculo. O peor aún, que porque tu no sos “fulanito” o “Menganito” de cierto nivel de fama, no vale la pena contratarte para su negocio.

En fin, tema espinoso, complicado y por demás delicado. Pero por algo se empieza…

Demos fuerza a lo propio.

Punto y aparte…

Mi mejor deseo para todos ustedes, mis lectores, es que iniciemos este nuevo año con la premisa de hacerlo de la mejor manera : Con esperanza, pues nos da fuerza para seguir, con Optimismo, para creer en nosotros y en nuestros proyectos, con Sabiduría, para saber disfrutar de la Alegría de Vivir, y con la Bendición de Dios, para que todo lo anterior sea posible.

Feliz Navidad…

Y recuerde…sean felices, y que viva el Rock & Roll !!!!  \m/

Si, así como lo lee. Y no, no estoy fumando nada, ese es el nombre de la Banda Centroamericana de Rock que ha logrado trascender fronteras con su música, no le suena ? y si le digo ALUX NAHUAL ?

La banda se formó en el año 1979 fundada por Álvaro Aguilar (guitarra acústica), quien acompañado de su hermano Plubio (bajo) y de su primo Ranferí (guitarra eléctrica y acústica) se empiezan a presentar en un pequeño café bar de la ciudad de Guatemala. Se integraron a la banda Javier Flores (batería), Paulo Alvarado (chelo) y Jack Shuster (violín). En sus inicios tocaban composiciones de otras bandas de la época, como Kansas, Led Zeppelin y Toto, además de propuestas originales con una base de rock sinfónico y progresivo, con influencia del grupo de rock progresivo holandés Focus en la melodía BarRocko Intro Passacaglia Maestosa.

Luego de un par de años se retira Flores y contactan al baterísta Pablo Mayorga al tiempo que el hermano de Ranferí, Orlando, quien también toca batería, se integra a Alux. Durante algunos años tocaron con dos bateristas, algo poco común en una banda de rock. El prestigio de la banda subió rápidamente, y en 1981 logran grabar su primera producción discográfica bajo el sello discográfico de DIDECA. Esta primera producción fue la que abrió las puertas al rock nacional en las radios. En aquellos momentos, no existía conocimiento acerca del movimiento de rock en español que se daba en Argentina y otros lugares de América, por lo que Alux Nahual se convirtió en la primera banda de rock en español en Centroamérica.

La producción Alux Nahual fue un fenómeno que se hizo público de boca en boca. Las canciones Hombres de maíz y la legendaria La fábula del grillo y el mar fueron los primeros sencillos radiales de una banda de rock nacional, que con una duración de siete y seis minutos demostraron que la música y la calidad instrumental estaban más allá que el mero gusto comercial y los formatos estereotipados de las radios.

Su carrera fue en ascenso logrando así producir tres discos más en los siguientes cinco años. El músico Óscar Conde también se une a la banda durante la segunda producción “Conquista” (1982) aportando a la banda el original sonido de su flauta, saxofón, teclados y algunas guitarras. Los dos bateristas de la banda deciden dar un paso al lado para dedicarse a sus estudios entre el ’84 y el ’86.

Pero lo que les confirmó en toda Centroamérica como la banda más exitosa de todas fue su quinto disco Alto al fuego, editado en 1987. Con un sonido renovado por el baterista Lenin Fernández y un estilo más alternativo, esta producción contó con seis sencillos radiales, lo que demuestra el alcance y la aceptación lograda por Alux Nahual para esa época. Sin duda este disco, como los anteriores, se había identificado con el sentir de una nación enfrentada por la guerra, como toda la región, agobiada por las presiones internacionales de conflictos bélicos. Sus canciones clamaban por la paz y por la hermandad, lo que llevó a sus grandes éxitos a convertirse en verdaderos himnos cantados desde Quetzaltenango hasta San Salvador.

Entre su copiosa producción, el disco que marcó la historia del rock guatemalteco y centroamericano fue Leyenda, lanzado en 1991, un disco que superó en expectativa e impacto todo lo que hasta ahora es irremplazable, el disco más vendido de una banda guatemalteca y una producción repleta de canciones que, todas fueron y siguen siendo históricas y reconocidas dentro de la cultura musical centroamericana. Las nuevas versiones incluidas en este disco de sus temas clásicos demuestran la madurez y calidad alcanzada con los años. Esta fue la época de oro para Alux.

Tras este disco y por problemas con su disquera, Alux decide cambiar de disquera siendo Sony Music quien los contrata y donde se graba Americamorfosis, (en lo personal, uno de mis favoritos) un disco por demás exitoso a nivel internacional. Con este también ganan un Disco de Oro por ventas en Centroamérica. Sus seis sencillos radiales siguen demostrando la gran aceptación que tienen en Estados Unidos y América Central.

Alux sigue con paso activo los siguientes años y en 1996 editaron su último disco de estudio Se cantan retratos ya sin la colaboración de Paulo Alvarado, uno de los más emblemáticos músicos de la banda. Durante 1997 se presentaron por primera vez en México, donde el público ya coreaba sus clásicos temas, lo que demostró que su música había traspasado fronteras más allá de lo esperado.

En lo personal ALUX fué una de mis mayores influencias mucicales, puede decirse que las primeras canciones que canté allá por los 90´s, cuando ni siquiera me imaginaba meterme en este mundo de la música. Los ví por primera vez en concierto en el Estadio Mágico González, (antes Flor Blanca) y fué uno de los primeros conciertos de mi vida, en donde por cierto, vi varios grupos Nacionales tocando covers de Soda Stereo, Enanitos Verdes etc… si, esos mismos grupos que hoy se jactan de NUNCA haber tocado un cover.

 

Una de las mejores experiencia que me tocó vivir con Álvaro Aguilar, fué cuando coincidimos en Canal 12, cuando yo estaba con mi Banda “La Pita Vieja” en una revista Matutina, misma en la cual Álvaro estaría presentando su material como solista. Al salir de nuestra presentación, él estaba en la sala de espera aguardando por su turno de salir al aire, y al vernos nos dijo : “La Pita verdad? suenan muy bien muchachos…felicidades”  nos saludamos y le dije : “Nos permitirías tomarnos una foto con vos?” a lo que el, (ese ícono que había sido mi influencia, ese que había sido el Vocalista de la banda de Rock más emblemática para mi, ese que había escrito canciones que yo me podia completas) dijo : “Una foto conmigo? por favor…yo soy el que debería pedirles a ustedes una foto y que me la firmen, son un orgullo para su país”

Fué ese día, en que en mi corta carrera musical, recibí la mayor lección de humildad que podría haber tenido.

Y así, es como ALUX NAHUAL se presenta este Sábado 17 de Diciembre en el anfiteatro de CIFCO, en donde sin duda estaré coreando como en cada concierto que han ofrecido en El Salvador, todas y cada una de sus canciones.

Recuerden, sean Felices..yq ue viva el Rock & Roll !!!

 

 Las banderas del ayuntamiento de Liverpool, Inglaterra, amanecieron ayer a media asta en memoria del cantante británico George Harrison, a diez años de su muerte.
Durante su larga enfermedad de cáncer de pulmón, el exbeatle pasó sus últimos años preparando el momento en el que debía abandonar su cuerpo, conforme a la religión hindú, señala su esposa Olivia en el documental que el cineasta Martin Scorsese realizó sobre Harrison, Living in the material world.

George Harrison nació el 25 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove (Liverpool, Inglaterra), en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise. Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobús. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon. A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines.

Poco después, al tiempo que conseguía su primera “guitarra decente”, una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly. Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Paul McCartney escuchó a Harrison tocar el riff de “Raunchy” en la escuela y Paul le propuso unirse al grupo. Harrison es presentado por Paul McCartney a John Lennon e ingresa en The QuarryMen, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose The Beatles.
Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.

El fuerte apego a la cultura de la India fue una constante en la vida del cantante desde su exitoso periodo con el cuarteto del Liverpool. Harrison tuvo su primer acercamiento con la música del país oriental en la filmación de la película Help! en 1965.

Tras una escena en un restaurante indio en la que un grupo de músicos amenizaba la comida con sonidos tradicionales, el mismo Harrison contaba que se puso a jugar con los instrumentos y se se sintió tan atraído por aquella música que se compró un sitar.

La melodía del sitar llenó las sesiones del disco Rubber Soul de los Beatles cuando se buscaba un arreglo para el sencillo Norwegian Wood, compuesto por John Lennon. Pronto, los sonidos orientales dieron un nuevo rostro a la música pop.

Harrison encontró en la música india un camino de afirmación artística, para hacerse un hueco entre los colosos Lennon y McCartney, y de búsqueda espiritual, en un momento en el que empezaba a sufrir los efectos de la asfixiante fama del grupo.

A través de las enseñanzas de Ravi Shankar, el gran maestro de la música india, el menor de los Beatles se introdujo a las técnicas del sitar y a la meditación trascendental.

La influencia de la cultura india sobre el guitarrista se reflejó en algunos de los pocos temas que alcanzó a incluir en los álbumes de los Beatles como Love you to en Revolver y Within Without You en el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, y también tocó a sus compañeros en la banda después de un viaje a la India en 1968.
Ese año, Harrison lanzó el disco Wonderwall con la banda sonora de la película del mismo nombre, la mayoría con temas instrumentales y de música de la India.

Como compositor, George Harrison comenzó con Don’t Bother Meincluída en el disco With The Beatles, pero fue en el periodo final de los Beatles  donde despuntó con temas como While my guitar gently weepsdel llamado álbum blanco y Something y Here comes the sun en Abbey Road.

Tras la separación de los Beatles, la carrera de Harrison siguió en ascenso con el álbum All Thing Must Pass en 1970 con éxitos como My Sweet Lord, What is Life, entre otras.

George Harrison fue una de las primeras celebridades en usar su talento para motivar la ayuda a los más necesitados. En 1971 realizó un concierto en beneficio de la población de Bangladesh, en el que participaron otros artistas de la talla de Bob Dylan y Eric Clapton.

En la década de los 80 destacó su trabajo con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeffy Lynn en un quintento llamado Travelling Wilburys.

Las reediciones de los álbumes de los Beatles y de sus discos en solitario han facilitado nuevas lecturas del legado de un artista que buscó un camino más allá de la fama y que abrió al mundo su fascinante vida interior.

En lo personal, una de mis canciones favoritas es sin duda “Something”, y lo fué más, cuando la escuché en voz del Rey del Rock & Roll : Elvis Presley.

 

 

Como siempre lo he afirmado, para mi, Harrison fué el genio tras el nombre.

Recuerden ser Felices y que viva el Rock & Roll !!!

A veces, nada mejor que un poco de música para cuando el estrés nos tiene de malas. Tomarse un rato de tiempo para dejarse atrapar por una canción, unas melodías o simplemente un evocador sonido de fondo, puede ser una de las mejores maneras de construir su propio universo y despegarse de la rutina habitual.

En cada pieza musical hay un mundo.

Y nada como descubrirlo para aislarnos de lo que nos preocupa al menos por un rato.

La música puede ser uno de los mejores refugios que escoja cuando quiera quitarte el estrés de encima. Sirve para distender, para relajar y, sobre todas las cosas, para crear un mundo aparte de lo que vives en ese instante. Sólo es cuestión de ambientar el lugar donde se encuentra, poner las luces bajas, predisponer su mente y entregarse a las sensaciones que la música le ofrece. A continuación algunas recomendaciones con buenas canciones para que se desenchufe de lo cotidiano.

La música de chill out, como suelen ser llamadas las creaciones electrónicas o lentas de temas conocidos, ha dado también gamas apuntadas eminentemente a la música de relajación para el estrés. Así es como puede disfrutar de un tema como el siguiente, ideal para despejar la mente en un día agitado. Que tal esta versión de CREEEP de Radiohead?

 

 

La música zen también puede llegar a resultarle útil para la relajación y para olvidarse del estrés. Con inconfundibles toques orientales, muchas religiones emplean este tipo de música para meditar. Esto es como para una relajación total, y un estado mental en completa paz (algo asi como Amor y Paz para todo el mundo)
Aquí tiene un interesante ejemplo.

Esta es una banda de rock -o mejor dicho, post rock- llamada Mogwai. Originarios de Escocia y son todos unos especialistas en crear climas, construir atmósferas y darle al oyente una permanente sensación de ensueño “in crescendo” que resulta fascinante. Esta canción se llama “Stanley Kubrick” (en honor al afamado director cinematográfico) y puede llegar a depositarte en un hipnótico estado de relajación.

Por supuesto, nunca debe olvidarse de la música clásica. Si bien hay piezas estridentes y que pueden estar lejanas del estado que pretende lograr, siempre hay pequeñas maravillas dispuestas a complacer sus oídos y alejarlo del ruido cotidiano. Un clarísimo ejemplo es este clásico absoluto: “las cuatro estaciones” de Vivaldi.

 

Otro genero que puede ayudar mucho con la relajacion es el afamado y en auge “Indie”, que en lo personal es de mis favoritos a la hora de buscar un poco de “relax” , aqui un par de ejemplos :

Sea como sea, y como ya lo he mencionado en infinidad de ocasiones, la música puede transportarnos a lugares que ni nosotros mismos sabemos que existen.

Así que…a disfrutar de buena música !

Hasta el próximo Miércoles y recuerden : Sean Felices y que viva el Rock & Roll !!!

Ocurrió en secreto y una sola vez.

Fue un 27 de agosto de 1965 cuando Elvis Presley y Los Beatles se reunieron.
Cuando el cuarteto de Liverpool fue a ver al Rey del Rock ‘n’ Roll en su mansión de Beverly Hills en una noche libre de su gira por Estados Unidos, la charla, inicialmente torpe, dio paso a una improvisada sesión musical.
Pero no hay grabaciones o fotografías de aquel encuentro.
Tony Barrow, el jefe de prensa de Los Beatles entre 1962 y 1968, también estuvo en la cita.

“Cuando conversé sobre la idea de conocer a Elvis con John, Paul, George y Ringo inicialmente se sientieron desalentados por el temor de que la prensa pudiera estar involucrada”, dice.
“Recuerdo que George dijo: ‘Si esto va a ser otro sucio circo publicitario lo mejor que podemos hacer es olvidarlo’”.
Barrow añade: “Ellos quería conocer a su ídolo del rock and roll, pero no frente a reporteros y fotógrafos”.
Por esa razón, “la primera y fundamental regla quedó establecida: no se podía invitar a la prensa, ni tomar fotos, ni hacer grabaciones. Tampoco podíamos adelantar nada”.

El encuentro tuvo lugar poco antes de las diez de la noche. “Nos trasladamos en un convoy de tres limusinas grandes y negras, dirigidos por el Coronel Parker, el manager de Elvis, y y su gente.”

Elvis Presley “fue una de las influencias principales de la música de los Beatles”, sostiene Barrow.
“La casa de dos plantas estaba en una colina. Era un edificio enorme y redondo, con un montón de ventanas y un amplio jardín delantero con un Rolls Royce y un par de Cadillacs estacionados.”
“Los miembros de la famosa ‘Mafia de Memphis’ custodian las puertas, pero pronto nos saludaron.
Una vez dentro, los pies parecía que se nos hundían varias pulgadas en una tupida alfombra blanca.”
“Llegamos al centro del edificio, a una sala enorme, circular, con luz roja y azul, y ahí fue donde compartimos con ‘El Rey’”.
La habitación tenía “un televisor a color, una máquina de discos, un sofá en forma de media luna, un par de mesas de billar y juegos y un bar bien surtido.
“Yo diría que el grupo de Presley ascendía a cerca de 20 personas, con lo que superaba a nuestro pequeño grupo.”

Rompiendo el hielo

“Cuando los dos grupos se vieron hubo un silencio extraño y fue John quien habló primero, con bastante torpeza, impulsivamente, soltándole un flujo de preguntas a Elvis, como: ‘¿Por qué haces en estos tiempos esas películas de baladas suaves? ¿Qué pasó con aquel buen rock and roll de los viejos tiempos?’”.

Barrow recuerda que “Elvis estaba bastante tranquilo”, que “sonreía mucho y le dio la mano a todo el mundo.
“El hielo en realidad no se llegó a romper en las primeras etapas del encuentro en la que los artistas intercambiaron cuentos de sus giras.”
La charla trivial dio paso a “un silencio embarazoso” entre las cinco megafamosas estrellas, que quedaron con poco que decirse.
En la impresión de Barrow, “era justo pensar que cada uno estaba asombrado de la presencia de los otros. Elvis no tenía mucha soltura hasta donde yo podía ver. Se le notaba con vergüenza.
“Pero de repente Elvis pidió algunas guitarras para John, Paul y George, y apareció un piano.

“Hasta ese momento, el encuentro realmente había sido un poco aburrido y sin vida. Pero tan pronto como Presley y Los Beatles comenzaron a tocar juntos, el ambiente se animó.
“Los chicos descubrieron que podían mantener una conversación mucho mejor con sus guitarras de lo que podían con su palabra. La música era su punto de encuentro natural, su medio de comunicación más inteligente.
“No puedo recordar todas las cosas que tocaron, pero sí recuerdo que una de las canciones fue “I Feel Fine”. Y recuerdo que Ringo, quien no tenía instrumento, marcaba el ritmo con los dedos sobre un mueble de madera.
“Todo el mundo cantaba. Elvis tocaba unos acordes de guitarra para Paul y le decía: ‘Mira, ya estoy practicando ” Y Paul bromeaba: ‘No te preocupes, entre Brian Epstein (el mánager de Los Beatles) y nosotros te convertiremos en una estrella’”.

“Sería maravilloso tener fotografías o grabaciones. Esa grabación tendría, sin dudas, un gran valor. Una cinta valdría millones de dólares. Pero no existe. Fue una sesión increíble de escuchar.
“Parker y Epstein una vez que perdieron el interés dejaron a los chicos solos. Parker puso su brazo regordete alrededor del hombro de Brian Epstein y se lo llevó a un rincón tranquilo de la sala.
“Epstein aprovechó el momento para traer a colación un tema, que era su agenda secreta.

Tenía la esperanza de convencer a Parker para que le diera la oportunidad de traer a Elvis a dar una serie de conciertos en el Reino Unido.
En palabras de Barrow la idea estaba llamada a no prosperar “pero Parker pretendía dejar una puerta abierta al decir que lo pensaría.
“La fiesta terminó cuando el Coronel Parker lo dispuso. Comenzó a repartir regalos, que en su mayoría consistían en montones de álbumes de Elvis Presley.
“Recuerdo que, cuando llegamos a nuestras limusinas, John imitó el acento de Adolfo Hitler y le gritó: ‘¡Larga vida al rey!
“Ellos trataron de tomar el encuentro a la ligera y no mostrar demasiado la adoración a su ídolo, pero Elvis Presley fue su ídolo y una de las influencias principales de la música de los Beatles”.

 

 

Y con gusto, les dejo la programacion semanal de musica en vivo :

Miércoles 26 de Octubre

EFRAIN LOPEZ (Alternativo y Rock en español en Acústico) Restaurante La Cocina de María (Col. Miralvalle) 9:00 p.m.

 

Jueves 27 de Octubre

EFRAIN LOPEZ (Alternativo y Rock en español en Acústico) Restaurante La Cocina de María (Col. Miralvalle) 9:00 p.m.

LITTLE BIRD BONE (Noche de Blues y Rock) Zanzibar(Basilea, Zona Rosa) 9:00 p.m.

 

Viernes 28 de Octubre

MARCELO AVILES Y COLECCION PRIVADA  Olivo´s  Café,Hotel Hilton  Princess,8:00 p.m.

TONY OLIVA y MARIO FLORES (Rock Clásico en Acústico) Bar y Restaurante Mangos, Colonia Escalón. 8:00 p.m.

YIZACK MONTOYA  Oooga Booga Bar. Paseo Miralvalle. 8:00 p.m.

GRUPO 3 A.M. (Rock Clásico y Alternativo en Acústico) La Cocina de Maria, Col. Miralvalle. 9:00

AMARETTO (Rock Clásico y Buenas Epocas) Coconut Groove, Zona Rosa. 9:00 p.m.

 

Sabado 29 de Octubre

THE RETRO (Migue Mejia y Marcelo Aviles) & ALEX OVIEDO (especial Acustico) Bar LA CUEVA, Multiplaza. 9:00 p.m.

GRUPO BOHEMIO (Rock Clasico) Restaurante Los Portales, Paseo el Carmen, Santa Tecla 8:00 p.m.

GRUPO 3 A.M. (Rock Clásico y Alternativo en Acústico) La Cocina de Maria, Col. Miralvalle. 9:00 p.m.

 

Muchas y Variadas Opciones para Disfrutar de este fin de semana….

Sigamos apoyando el talento nacional….
Hasta la próxima y recuerden…Sean Felices y que viva el Rock & Roll !!!